Der Vorhang zu und ein paar Fragen offen – Herbert Wernickes Elektra an der Bayerischen Staatsoper


von Sebastian Dietl


Die Bayerische Staatsoper hat nicht nur wegen ihrer Architektur das Prädikat „Große Oper“ verdient. Das wusste schon Marcel Reich-Ranicki, als er urteilte: „wenn ich in München in die Oper gehe, weiß ich, es wird besser sein, als in …“, wobei er eine willkürliche Kleinstadt nannte und damit den Hass der Verteidiger des Provinztheaters auf sich zog, aber das nahm er in Kauf.

Was sein positives Urteil über die Münchner Oper betrifft, so mag man ihm doch hin und wieder zustimmen. So auch am 23.11.22, als sich der Vorhang für eine Aufführung der Strauss‘schen Elektra an der Bayerischen Staatsoper hob. Besser gesagt: Er hob sich nicht, denn es gibt ihn nicht. Das ist aber kein Fehlen, sondern dem monumentalen Bühnenbild von Herbert Wernicke geschuldet, der in seiner Inszenierung aus dem Jahr 1997 auch Regie, Licht und Kostümbild übernommen hatte und leider bereits 2002 verstarb. Dass das Nationaltheater seine Inszenierung weiterhin auf dem Spielplan hat, ist ein Glück.

Wernicke zeigt die Elektra als hasserfüllte Konstante, die sich einen Großteil des Stücks auf einer Holzscholle am Bühnenrand aufhält, quasi als Schiffbrüchige ihrer Rachsucht. Nachdem Klytämnestra ihren Mann, Elektras Vater, Agamemnon umgebracht hatte, wurde sie zur Herrscherin. Während ihr Bruder, Orest, nach diesem Geschehnis außer Landes gebracht worden war, plant Elektra Rache: Orest soll bald zurückkehren und Klytämnestra töten. Unterstützung erbittet sie von Chrysothemis, ihrer Schwester, die hier als weiß-gekleidete Lichtgestalt der in Schwarz gehüllten Elektra gegenübersteht. Beide bespielen nur den vorderen Streifen der Bühne, während der Rest verdeckt bleibt. Nur manchmal öffnet sich die Bühne durch eine sich diagonal drehende, rechteckige Scheibe. Dies bringt prächtige Lichtkompositionen hervor, in denen vor allem Klytämnestra als purpurfarbene Monarchin auftritt.

In aller Schlichtheit erschafft Wernicke hier ein zeitloses Umfeld, das mit Grundformen und -farben sehr viel ausdrücken kann, ohne viel bestimmen zu müssen. So setzt er der bereits beschriebenen Abgeschiedenheit der Elektra eine imposante Treppe auf der Hinterbühne entgegen, die jedoch nur selten zum Vorschein kommt, meist als Empore der Herrscherin. Das Lichtdesign ist schlicht. Es besteht aus Grundfarben, die je nach Position der Bühnenabtrennung hervorstechen, sowie aus einfachen Verfolgerleuchten, die bestimmte Gestalten ins Licht rücken und andere im Dunkel lassen. Das sind einfache Mittel, deren Interpretation nicht schwerfällt. Die Bühne stellt auch das Innenleben der Figuren dar, nicht nur den Hintergrund, vor dem sie agieren. Daran mag es wohl liegen, dass sich die Sängerinnen und Sänger darstellerisch perfekt in dieses Bild einfügen können.

Elena Pankratova zeigt als Elektra nicht nur eine Facette des Hasses, sondern kann auch sanft werden. Vida Miknevičiūtė steht ihr als helles, aber auch unterwürfiges Pendant gegenüber, bringt viel Leben (und vor allem Licht) auf die dunkle Bühne und strahlt stimmlich nicht weniger. Darstellerisch übernimmt Miknevičiūtė die Führung, agiert sie doch merklich mehr als die eher statische Pankratova, was im Regiekonzept aber vollkommen aufgeht. Elektras Rachelust lähmt sie äußerlich gar. Schwingt sie ihre Axt, die ihr in dieser Inszenierung dem Textbuch widersprechend von Beginn an als steter Begleiter beigegeben ist, oftmals auch etwas hilflos, so schadet das gar nicht. Schließlich interpretiert man als Zuschauer ihre Unbeholfenheit als passenden Ausdruck der Verzweiflung. Violeta Urmana zeigt die Monarchin, an der es sich zu rächen gilt, nicht unbedingt boshaft. Nicht, weil sie ausdrucksschwach wäre, im Gegenteil gibt es sogar zärtliche Seiten an ihr.

Die beiden Männerfiguren Orest und Aegisth treten erst später auf und schaffen es nicht, die übermächtige Performance der Frauen zu übertreffen. Der Beiden Rolle scheint im Konzept nicht gänzlich aufzugehen. Sie treten als einzige Figuren des Abends dem Spiel von außen hinzu. Dies bleibt aber ohne inhaltliche Deutung und wirkt somit etwas schräg. Gesanglich wie darstellerisch agieren sie beide etwas hilflos, mit ihren förmlichen Anzügen gegenüber der zeitlosen Bühne wirken sie etwas deplatziert. John Daszak gibt den Aegisth dabei noch mit etwas Humor, was den Opern von Strauss nicht fremd ist, man ist an Gerhard Stolzes Aegisth-Darstellung erinnert, von der Aufnahmen zeugen (bspw. DECCA von 1967) und man vermisst ihn und seine komischen und zugleich immens ausdrucksstarken Interpretationen auch sogleich. Karoly Szemerédys Orest bleibt eher kühl, rezitiert viel, aber sagt wenig. Neben der immens ausdrucksstarken Elektra geht er etwas unter. Die fraglos schwere Aufgabe, in der minimalen Auftrittszeit eine erinnerungswürde Darstellung abzuliefern, gelingt ihm nicht vollends. Orest ist trotz seiner inhaltlichen Wichtigkeit in der Oper eben doch eine Nebenfigur.

Nicht zuletzt deswegen ist man irritiert, wenn den Schluss des Stücks ein vor den Farben der Deutschlandflagge zum Hitlergruß ansetzender Orest dominiert, während Elektra nicht mehr im Vordergrund steht. Das ist dem eher weniger imposanten Orest gegenüber genauso ungerecht wie dem Publikum, das zwei Stunden höchstrangiges Musiktheater geboten bekommt, dessen Schluss einem dann doch noch etwas unvermittelte Belehrung nachwerfen will. Das wirkt leider eher klischeebehaftet und hohl. Die Debatte um Strauss’ Rolle im Dritten Reich ist zwar berechtigt, allerdings wird sie nicht befriedigend behandelt, wenn sie am hitzigsten Moment eines Opernabends kontextlos in den Raum geworfen wird. Das ist Schock-Dramaturgie, die beim Abendessen wieder vergessen wäre, wäre die Inszenierung davor nicht gar so gut gewesen. Man verbleibt als Zuschauer mit dem Gefühl, sich für seine vorige Begeisterung schämen zu müssen, deckt der Schluss doch scheinbar auf, dass jede Euphorie für dieses Werk populistisch zu deuten sei. Damit wird man der Oper nicht gerecht, die eben diese Abwege hin zur schlimmen Tat differenziert darstellt und niemals Unangebrachtem zujubeln. Die Sympathie zu den Protagonisten Elektra und Orest muss zwar aufgedeckt werden, doch schaffen Strauss und von Hofmannsthal eben dies im Stück selbst.

Man sollte Wernickes Schlussbild wohl als Entlarvung der Figurenmoral deuten. So fühlt man doch stets mit der Elektra, die aber doch auch zur Mörderin wird. Die vermeintliche Erlösung als Sturz ins größere Übel. Das zielt deutlich auf die Sophokles’sche Vorlage ab, in der dieses stets fortschreitende Rachemotiv sehr dominant ist. Auch Agamemnon selbst wurde nicht grundlos, sondern aus Rache getötet. Wer ist hier noch im Recht? Und wann wird Unrecht zu Recht? In diesem Sinne ist es klug, diesen Konflikt nicht als historischen Sageninhalt, sondern als höchst aktuell zu deuten, auch wenn das Ergebnis streitbar ausfällt. Ganz zweifellos hingegen führt Vladimir Jurowksi das Staatsopern-Orchester mit so großer Finesse durch den Opernstoff, dass ein gelungener Abend im Kopf bleibt, dem sich Reich-Ranicki mit Sicherheit gerne hingegeben hätte.


OpenEdition schlägt Ihnen vor, diesen Beitrag wie folgt zu zitieren:
Sebastian Bolz (23. Dezember 2022). Der Vorhang zu und ein paar Fragen offen – Herbert Wernickes Elektra an der Bayerischen Staatsoper. MuwiMuc. Abgerufen am 21. Juli 2024 von https://doi.org/10.58079/rpq5


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