MuwiMuc

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von Ella Thabea Polk

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Lehrstunde in der Provinz

Einmal reichte mir Herr K., Lehrer für Violoncello an der Musikschule einer Provinzstadt, die sich selbst gerne mit dem Attribut „Hochschul-“ belegt – obwohl sie mehr Anstalten des öffentlichen Bierkonsums und anderer mehr „privater Freuden“ als der Bildung und Kultur ihr Eigen nennen darf – die unscheinbare Schwarzweißkopie einer Inselausgabe von Heinrich v. Kleists Über das Marionettentheater. Ich sollte mit Hilfe des kleinen Textes lernen, dass es nicht eines großen Kraftaufwands bedarf, den ca. 80 g schweren Cellobogen in Position zu halten; dass es weder nötig ist, die rechte Schulter Richtung Ohr zu ziehen, noch dass meine Hand den Bogenfrosch zu umkrallen braucht. Dass die Verbindung zwischen mir und dem „Fechtdegen“ (Assoziation des Cellisten Anner Bylsma) aller Streicher eher der zwischen einem Puppenspieler und seiner Marionette gleicht.

„Cineastische und andere Gedanken“ weiterlesen

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von Sebastian Dietl

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Die Bayerische Staatsoper hat nicht nur wegen ihrer Architektur das Prädikat „Große Oper“ verdient. Das wusste schon Marcel Reich-Ranicki, als er urteilte: „wenn ich in München in die Oper gehe, weiß ich, es wird besser sein, als in …“, wobei er eine willkürliche Kleinstadt nannte und damit den Hass der Verteidiger des Provinztheaters auf sich zog, aber das nahm er in Kauf.

Was sein positives Urteil über die Münchner Oper betrifft, so mag man ihm doch hin und wieder zustimmen. So auch am 23.11.22, als sich der Vorhang für eine Aufführung der Strauss‘schen Elektra an der Bayerischen Staatsoper hob. Besser gesagt: Er hob sich nicht, denn es gibt ihn nicht. Das ist aber kein Fehlen, sondern dem monumentalen Bühnenbild von Herbert Wernicke geschuldet, der in seiner Inszenierung aus dem Jahr 1997 auch Regie, Licht und Kostümbild übernommen hatte und leider bereits 2002 verstarb. Dass das Nationaltheater seine Inszenierung weiterhin auf dem Spielplan hat, ist ein Glück.

„Der Vorhang zu und ein paar Fragen offen – Herbert Wernickes Elektra an der Bayerischen Staatsoper“ weiterlesen

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von Elisabeth Dieck

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Besondere Klänge rufen zweifellos besondere Erinnerungen hervor. Als Kind war es für mich immer das Allergrößte unbemerkt in unseren Musikraum im Keller zu schleichen, in dem mein Vater alle Akquisitionen seines lebenslangen Musikobjekte-Sammelprozesses aufbewahrte. Alle Wände waren bis unter die Decke mit Noten und Instrumenten vollgepackt, sorgsam nach jeweiligen Themengebieten und Instrumentengruppen sortiert. Zeitweise habe ich mich gesamte Nachmittage an diesen Ort zurückgezogen und die friedliche Ungestörtheit genossen. Die Zimmerecke, welche mich von Beginn an am meisten in ihren Bann zog, war die mit den elektronischen Musikinstrumenten. Die Sammlung an Synthesizern war in der hinteren linken Ecke aufgebaut, so behutsam platziert und zusammengesteckt, dass lediglich ein einziger Kippschalter an einer Steckdosenleiste umgelegt werden musste, um die ganze Wand und alle Geräte um einen herum bunt zum Leuchten zu bringen. Das Gefühl des grenzenlosen Herumprobierens, vollkommen egal wie es klingt, ob nun chaotisch oder musikalisch, geräuschhaft oder klangvoll, leise oder laut, geplant oder spontan, und die ganzen daraus entstehenden Klänge haben sich tief in mein Gedächtnis eingebrannt. Nach einem Umzug ging mir dieser bedeutungsvolle Raum zwar verloren, aber die Erinnerungen bleiben. Musikstücke, die mit elektronisch erzeugten Klängen und Synthesizern arbeiten erinnern mich heute noch unumgänglich an diese für mich so besondere Zeit zurück. Sie machen mich nostalgisch.

„Die Bedeutung von Nostalgie in der Entwicklung der Musikkultur“ weiterlesen

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von Shannon Harris

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Dass das Hören, so wie alle unsere Sinne, sehr immanent mit unseren Gefühlen verbunden ist, ist evident. Wie aber steht jeder von uns persönlich zu dem eigenen Hörverhalten? Was machen Töne mit jedem einzelnen von uns? Und vor allem: welche Bedeutung hat die Musik, haben bestimmte Töne für uns subjektiv?

Der folgende Text soll ein persönliches Augenmerk auf die Reflexion des (Zu-)Hör-Verhaltens setzen und damit dazu einzuladen, über die eigenen Arten und Weisen, Musik zu rezipieren, nachzudenken. Gleichzeitig wird sich der Text, ein wenig an der Oberfläche kratzend, mit den Möglichkeiten des wissenschaftlichen Herangehens an das (Zu-)Hören als Phänomen beschäftigen.

„Subjektive Erfahrungswelten der Musikrezeption“ weiterlesen

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von Anastasiia Shcherbakova

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Historischer Streifzug und Heute

Heutzutage ist die Improvisation für Jazz-Pianisten das A und O ihres Seins. Ganz anders sieht es leider bei klassischen Klavierspielenden aus – abgesehen von wenigen Ausnahmen kommt Improvisation an Musikhochschulen, wenn man Glück hat, kurz nebenbei oder so gut wie nie vor. Letzteres trifft insbesondere auf die Bildungssituation in der Ukraine zu, wo ich Klavier studierte. Wenn ich darüber nachdenke, dass die weltweit meist gespielten Klavierwerke eben von hervorragenden Improvisatoren wie z.B. Mozart, Beethoven, Liszt, Chopin stammen, wird für mich der gewaltige Widerspruch offensichtlich – dass wir Werke von ihnen spielen, selber aber kaum danach streben, uns ihrer Spielkunst anzunähern. Teilweise, weil man sich ihre auskomponierten Werke möglichst perfekt aneignet und weitergibt – jedoch lässt man die andere Seite, nämlich musikalisches Improvisationsvermögen, leider meist komplett weg.

„Klavierimprovisation als schöpferische Quelle“ weiterlesen

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von Sabina Fichtl

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Aufgeladene Atmosphäre. Die Luft scheint elektrisiert. Ein wild umherhüpfender Dirigent tanzt vor einem in zwei Gruppen eingeteiltem klassischen Streicherquartett und fünf Bläsern. Während der ‚Dirigent‘ einen Notenständer durch die Luft schwingt, wechseln sich wummernde elektronische Beats mit klassischer Musik ab.

„Neue Konzertformate – Notwendigkeit oder Zeitverschwendung?“ weiterlesen

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von Hannah Wendel

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Jedes Jahr fließen über 10 Milliarden Euro an Steuergeldern in die Subventionierung staatlich getragener Opernhäuser. Die Auslastung der Vorstellungen ist stetig rückläufig, je kleiner das Haus, desto größer in aller Regel der Anteil der Zuschüsse pro Zuschauerplatz und Vorstellung. Subjektiven Eindrucks bildet das typische Opernpublikum jedoch leider nichts repräsentativ ab als die Bubble des besserverdienenden Bildungsbürgertums – was sich mit einem Blick auf sich aus Zuschauerbefragungen ergebende Studien auch nicht als bloßes Klischee herausstellt. Ganz sozialstaatlich gedacht stellt sich damit evident die Frage, ob eine solch hohe Subventionierung nicht viel weniger im Sinne einer akademisierten und besserverdienenden, gealterten und zunehmend alternden Bubble, als vielmehr im Sinne der breiten, bunten Gesellschaft erfolgen sollte – inwiefern also kunstformimmanente und institutionell, systembedingte Zugangsbeschränkungen dazu führen, dass nicht allen die Oper gleichermaßen offen steht und was von Seiten der Opernhäuser getan werden könnte, diese Barrieren abzubauen.

„Die offene Oper“ weiterlesen

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von Jochen Schnapka

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Ein Dachboden irgendwo in den USA. Matt intoniert den Grundakkord auf der Gitarre, die Kamera schwenkt in die Mitte, ein edles Mikrofon mit Federaufhängung erscheint, darum sitzen Katie an der Fidel und Julianne an der Mandoline, weiter links zupft Emmett die Saiten seiner Resonator­gitarre (Dobro). Sanft beginnt Katie zu singen „Almost heaven, West Virginia …“. So beginnen The Petersens den berühmten Song Country Roads von John Denver aus den 70er Jahren. Mit dem Refrain, der mehrstimmig erklingt, ziehen das Bild und die Musik weiter auf, aus dem Hintergrund mischen sich Ellen am 5-saitigen Banjo und „Mom“ Karen am Double Bass dazu. Es klingt fast banal, ist aber, wenn diese klassische Kategorie überhaupt erlaubt ist, auf kammermusikalisch höchstem Niveau.

„Blaues Grass – Wie ich plötzlich Fan einer american roots music-Band wurde“ weiterlesen

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von Quirin Vogel

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19 Uhr. Der große Saal des städtischen Theaters ist in subtiles Dämmerlicht getaucht, das Publikum sitzt bereits erwartungsvoll – meist in feine Abendgarderobe gekleidet – auf den roten samtgepolsterten Stühlen des Konzertsaals. Der eine blättert vielleicht noch andächtig im umfangreichen Hochglanz-Programmheft, die andere ist möglicherweise in ein angeregtes Gespräch mit ihrer Sitznachbarin über das bevorstehende Konzertprogramm vertieft; vereinzelt hört man leises Räuspern und nervöses Rascheln. Endlich verglimmt auch die letzte Beleuchtung im Saal, die Zuschauerinnen und Zuschauer versinken im Halbdunkel, während zugleich die Bühne in gleißendem Scheinwerferlicht erstrahlt. „Ist (Neue) Musik elitär?“ weiterlesen

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von Audrey Harris

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An Unusual Event

The lights are dimmed except for two spotlights which criss-cross, illuminating a torso of a bygone Egyptian king and six synthesizers spread across three tables. Shadows of other artifacts play across the back wall of the bottom floor of the Munich Museum of Egyptian Art (Staatliches Museum Ägyptischer Kunst or SMÄK). Friday March 11, 2022 at 8pm here, in the middle of the art installation, a crowd of about 70 waits for Monopass to enter through a back corridor. This synthesizer quartet was founded in Cologne in 2018, comprised of musicians Oxana Omelchuk, Luís Antunes Pena, Mark Polscher and Florian Zwißler. While this sort of ensemble may be uncommon in the typical music scene Monopass focus on the construction of real-time composition through their collection of historical, and modern synthesizers and oscillators. „The Power of the Installation: MONOPASS Performance or How Your Surroundings Can Save a Show“ weiterlesen

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von Tim Krogull

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Kaum ein Genre im Bereich der deutschsprachigen Popularmusik polarisiert so stark wie der Deutschrap. Und hierbei beziehe ich mich nicht auf den lustigen, radio­tauglichen Rap von Gruppen wie die Fantastischen Vier oder die intellektuell aufgeladenen Songs von weißen Künstlern wie Alligatoah, dessen Musik spätestens ab dem 2013 erschienenen Track „Willst du“ auf jeder Lehramts- und Germanistik-Studentenparty omnipräsent ist. Nein, um diesen Deutschrap geht es hier nicht. Es soll hier vielmehr um denjenigen Deutschrap gehen, für den man sich einerseits nur kurz durch die Spotify-Charts klicken muss, der aber andererseits nicht weiter von seinen populären Formen entfernt sein könnte. „Was die Musikwissenschaft von Songs über AMGs, Marihuana und Gewalt lernen muss: Eine Annäherung an Haftbefehls Schwarzes Album“ weiterlesen

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von Lianluan Zeng

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Der chinesische Pianist Lang Lang ist fraglos ein zurzeit schillernder Star am Pianisten-Himmel. Seine Alben verkaufen sich wie frisches Brot, seine Konzerte sind, wie dasjenige vor zwei Monaten im Münchner Herkulessaal, ausverkauft. Lang Langs Spiel ist bekannt für seine hervorragende Technik, und seine frühen Aufnahmen der Klavierkonzerte von Prokofjew, Rachmaninoff und Tschaikowsky wurden von der Deutschen Grammophon veröffentlicht. Aber Bach war für Lang Lang immer ein schwer zu besteigender Berg, nicht aufgrund von technischen Schwierigkeiten, sondern im Sinne einer Lebens- und emotionalen Erfahrung. „Bach und Lang Lang – passt das zusammen? Lang Langs Interpretation der Goldberg-Variationen“ weiterlesen