Zwischen Selbstgespräch und Botschaft an die Welt: Kommunikative Beziehungen in Musik und musikalischer Interpretation (Teil 2)


von Katarína Farbová und Quirin Vogel


An wen richten sich Musiker*innen?

Eine Vorbemerkung: Die facettenreiche Vielfalt aller musikalischer Praktiken weltweit und somit auch die mannigfaltigen Möglichkeiten der Adressierung von Musik durch Musiker*innen könnten an dieser Stelle nicht einmal annähernd zufriedenstellend besprochen werden. Daher möchte wir uns in den folgenden Überlegungen vor allem auf die Musizierpraxis Mitteleuropas ab ca. 1500 bis in die Gegenwart stützen. Doch auch für diesen Fall darf nicht unerwähnt bleiben, dass es kaum möglich sein wird, die vorliegende Fragestellung wirklich erschöpfend zu bearbeiten. Die getroffenen Einteilungen sind also eher als „Farbfelder“ in einem Farbverlauf mit einer unendlichen Anzahl verschiedener Farbnuancen zu verstehen. Wir stützen unsere Einteilungen vor allem auf das Musizieren im Spiegel der anderen Künste, besonders der Malerei und der Literatur.

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Zwischen Selbstgespräch und Botschaft an die Welt: Kommunikative Beziehungen in Musik und musikalischer Interpretation (Teil 1)


von Katarína Farbová und Quirin Vogel


Bedingt durch die aktuelle Corona-Situation zeigt sich das musikalisch-kulturelle Leben in einer völlig veränderten Form: Wer Musik hören möchte, ist darauf angewiesen, diese entweder selbst zu spielen oder auf Aufnahmen zurückzugreifen. Die in der Kunstmusik Mitteleuropas seit Jahrhunderten und, mit Einschränkungen, auch heute im Jazz verbindliche Form des Musikhörens, nämlich die einer Aufführung in einem Konzertsaal, einem Musiklokal oder einem anderen öffentlichen Raum, scheint bis auf weiteres nicht oder zumindest nur eingeschränkt möglich. Gleichzeitig verlagert sich das Musikangebot ins Netz: Orchester ermöglichen ihren Hörer*innen den Zugang zu kostenlosen Live-Mitschnitten früherer Konzerte, Musikerinnen und Musiker aus den verschiedensten Musikrichtungen streamen ihre Musik online im Rahmen „digitaler Hauskonzerte“, Probenmitschnitte werden veröffentlicht, Ensembles versuchen Online-Messenger zu nutzen, um weiter musizieren zu können. „Zwischen Selbstgespräch und Botschaft an die Welt: Kommunikative Beziehungen in Musik und musikalischer Interpretation (Teil 1)“ weiterlesen

Musikalisches Phänomen, Phantom und Mammon: ‚Historische Aufführungs­praxis‘ im Musik-Magazin KlickKlack


Von Markus Göppel


In den einsamen Stunden eines Studioso-Lebens passiert es gelegentlich, dass man sich auf die Websites öffentlich-rechtlicher Rundfunkanstalten verirrt und in den Genuss des dort gebotenen Programms virtueller Musikvermittlung kommt. Das widerfuhr mir zuletzt im Fall des BR-Videobeitrags ‚KlickKlack‘. Wie ich anhand des ausladend gestalteten Slogans unmittelbar bemerkte: Das gleichnamige Magazin feiert zurzeit anscheinend Geburtstag. Dabei handelt es sich nicht um irgendeine alljährlich wiederkehrende Festivität, sondern vielmehr um ein mittlerweile zehnjähriges Jubiläum! Bei aller Freude über hochkarätigen Musikjournalismus ist dieser Moment nicht nur einer, der zu Laudationes einlädt, sondern auch Anlass gibt für einen kritischen Blick zurück. Dieser richtet sich im vorliegenden Fall auf eine Ausgabe vom 07.05.2019 mit dem vielversprechenden Titel ‚Thema Historische Aufführungspraxis‘.

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Virtuelle Chorproben: Wie gemeinsames Singen in Zeiten der Selbst­isolation gelingen kann


von Jochen Schnapka


Noch immer dürfen sich Chöre, anders als nun Instrumentalensembles, nicht zum gemeinsamen Musizieren treffen, zu hoch erscheint zur Zeit noch die Gefahr einer Coronainfektion durch Aerosole beim Zusammensitzen und -singen in geschlossenen Probensälen. Wie kann also in Zeiten des Infektionsschutzes, des notwendigen Zuhausebleibens und dem daraus resultierenden Ausfall sämtlicher Präsenzproben für Chöre eine virtuelle Probenarbeit gestaltet werden?

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Chancen der Krise: Wege der Musik­entwicklung zu Zeiten der Corona-Pandemie


von Marcel Hoffmann


Aktuell leben wir in einer Zeit sozialer und kultureller Einschränkungen. Treffen mit Freunden und Familie sind kompliziert, zeitweise sogar verboten gewesen, der Besuch von Konzerten ist noch immer nicht in der bisherigen Form denkbar. Hierbei erschafft der virtuelle Raum neue Möglichkeiten, Musik zu präsentieren. Der virtuelle Raum löst dabei zumindest zeitweise die Live-Darbietung von Musik ab. Diese Entwicklung führt auch zu einer Veränderung der Ästhetik und der Produktion von Musik. Der virtuelle Raum und die musikalische Darbietung in diesem verschmelzen zu einem neuen Medium, einer Spielwiese, die zum Experimentieren einlädt. Kann sich dabei eine neue Form der Musik entwickeln und durchsetzen? Und, stellt diese neue Form einen Fortschritt dar, der es wert ist, beibehalten zu werden?

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John Lennon starb 1980: Hologramme und Deep­fake(s) in der Musik


Von Christian Sorg


Am 8. Dezember 1980 verließ John Lennon seine Wohnung im Dakota Building in New York und wurde von Mark David Chapman auf offener Straße erschossen. Der Schock saß tief. Es folgten Trauerfeiern, Tribute-Konzerte, Bücher und Dokumentationen. Und noch heute erinnert die Strawberry-Fields-Gedenkstätte im New Yorker Central Park an den Ex-Beatle.

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Klangqualität ≠ Klang­erlebnis: Der Klang der „Berlin Phil Series“


von Karl Philipp


Ins Konzert gehen – im Normalfall ein gewöhnlicher kultureller Akt. Es ist eine Möglichkeit der sozialen Begegnung, eine Art der kulturellen Bildung und ein Klangerlebnis. In Zeiten von Krisen, in welchen ein jeder dazu aufgerufen wird, zuhause zu bleiben und soziale Kontakte zu meiden, und in welchen alles bis aufs Nötigste geschlossen und abgesagt wird, stehen Kulturbetriebe vor großen Herausforderungen.

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Authentische Inszenierungen: Gedanken zum Corona-Tagebuch


von Camila Delgado


Mai 2020: Pandemiezeit. Tägliche Unsicherheit über die Zukunft. Keine voraussehbaren Bedingungen. Die Menschen werden von einem unsichtbaren Feind bedroht. Außer den empfohlenen Hygienemaßnahmen scheint gegen diesen Feind nur das Abwarten in der eigenen Wohnung die einzige Lösung zu sein.

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BTHVN2020 extended: Ein Interview gibt Einblicke hinter die Kulissen


von Sophie Gneißl


2020 – nun leider zum Corona-Jahr geworden – sollte eigentlich das Beethoven-Jubiläumsjahr sein. Denn im Dezember 2020 jährt sich Ludwig van Beethovens Geburtstag zum 250. Mal. Zu diesem Anlass wurde die Beethoven Jubiläums GmbH gegründet, eine Gesellschaft, die das Projekt BTHVN2020 organisiert und dabei nicht nur Eigenprojekte, sondern auch über 200 Einzelprojekte unterstützt. Doch wie soll dieses Jubiläumsjahr nun stattfinden, wenn seit März Veranstaltungen abgesagt werden und noch nicht klar ist, wann ein Konzertbetrieb, wie wir ihn vor Corona kannten, wieder aufgenommen werden kann? Zu dieser Frage habe ich Interviews mit Johannes Plate, dem Programmreferenten, und Isabelle Trenkner, der Sachbearbeiterin für Marketing und Social Media des Projekts BTHVN2020 geführt.

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Mehr Krise als Chance: Eine qualitative Um­frage unter Münchner Lokal­musikerInnen


von Stefanie Pohl


„Die Realität ist immer eine Art von Fiktion, der alle zustimmen“, sagte 2013 der Mathematiker John Forbes Nash in einem Interview. Doch lässt sich diese Sichtweise auch auf die aktuelle Krise im Hinblick auf unser kulturelles Leben anwenden? Die Lage ist sicherlich ernst, daran besteht kein Zweifel. Aber ist sie denn auch wirklich so aussichtslos, wie es in den Medien forciert dargestellt wird? Könnte man im Hinblick auf das – wenn auch virtuell – stattfindende kulturelle Leben nicht vielleicht auch von der Corona-Krise als Inspirationsquelle sprechen?

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Alle Konzerte abgesagt! Das digitalisierte Musik­leben der Bayerischen Staats­oper und der Münchner Phil­harmoniker


von Corinna Popall


Zwei schwer miteinander vergleichbare Aufführungserlebnisse

Montag, den 15.07.2019, 20:00 Uhr: Die Letzten suchen ihre Plätze in dem belebten Innenraum der Oper. Aufgeregtes Nuscheln und Rascheln, bis der Saal sich abdunkelt und die Vorstellung beginnt. Die Musiker treten auf die Bühne, begleitet von hunderten klatschenden Händen.

Absage aller Konzerte der Münchner Philharmoniker bis Ende der Saison
Absage aller Konzerte der Münchner Philharmoniker bis Ende der Saison
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Mindest­halt­bar­keits­datum: der Moment


von Katrin Frühinsfeld


Sinnlich: Instrumente des 17. Jahr­hunderts im Bayerischen National­museum

Du durchschreitest einen schummrigen Raum nach dem anderen, vorbei an Glaspokalen, Porzellanfiguren, Holzvertäfelungen. Stoffjalousien halten die Julisonne davon ab, ihre zerstörerischen Strahlen auf Wandteppiche, Roben, Intarsienmöbel zu schicken. Die Luft: kühl temperiert, von leise surrenden Geräten optimal befeuchtet. Die Objekte: kostbar hinter Vitrinenscheiben. Ein zierliches Schokoladenservice. Ein Jagdgewehr, mit Perlmutt besetzt. Luxusgüter allesamt, wertvoll nicht erst durch das Verstreichen der Jahrhunderte. Schildpatt, Bleiglas, Seide, Nussbaumholz, Öl auf Leinwand. An Menschen: nur du und die diskret durch die Räume patrouillierenden Museumsaufsichten. Würde liegt in der Luft. Die Würde des Objekts? Der Historie? Dort drüben ein junges Pärchen.

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Vom ver­nebelten Heiz­keller zur digitalen Show­bühne: Das sehende Hören im Format ‚Boiler Room‘


von Bettina Baldauf


Was als Live-Videodokumentation einer Party in einem Heizkeller der Londoner Underground-Szene begann, kennt man heute mit über 8000 Übertragungen in mehr als 200 Städten als eine der größten Streaming-Plattformen für elektronische Musik. Das Konzept des britischen Boiler Room-Gründers ist einfach: ein DJ, eine tanzende Menge und eine Webcam, die das Treiben im Club für ein interessiertes Publikum festhält, das vor den Monitoren zuhause sitzt. In der Mediathek des Formats ‚Boiler Room‘ finden sich vor allem die DJ-Legenden des Techno und House vereint. Von Jeff Mills, Richie Hawtin und DJ Hell über Carl Cox und Sven Väth bis hin zu Ben Klock und Dixon –, sie alle drückten bereits vor der berühmten Kamera den Play-Knopf eines CDJ-Players. Der Grundgedanke des Formats ist, Musik auf neue Weise digital zu plattformieren und die Clubkultur weltweit zugänglich zu machen. Daraus entwickelten sich in den vergangenen Jahren jedoch regelrechte Showevents, bei denen sich alles um die Aufnahme des inszenierten Feierexzesses dreht und wo sich nicht nur der DJ selbst, sondern auch das Publikum gekonnt in Szene setzt. Das Resultat ist eine erzwungen und aufgesetzt wirkende Feierlaune, die virtuelle Visualisierung stereotypischer Rezipienten und die damit verbundene Erfüllung zahlreicher Klischees der Szene. Doch daneben schafft das Format Boiler Room ein grundlegend neues Konzept von Musik, indem es diese in einen neuen Raum der virtuellen Musikkultur transponiert. Das technische Medium selbst arbeitet dabei nicht mehr nur als reiner Vermittler der Musik, sondern kreiert mit digitalen Mitteln eine ganz neue Sparte, die auch neue Facetten des musikalischen Agierens und Hörens mit sich bringt. Doch inwieweit verändern sich im Boiler Room die einzelnen Koordinaten der Technokultur?

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Musikalische Kooperation: Auf der Suche nach Alternativen im virtuellen Raum


von Simon Wagner


In Zeiten von Corona müssen in vielen Bereichen des öffentlichen, aber vor allem auch des privaten Lebens Abstriche gemacht werden. So ist es nicht weiter verwunderlich, dass die Musikerszene in Anbetracht der staatlich verordneten Maßnahmen Alternativen für das gemeinsame Musizieren finden muss. Egal ob im Amateur- oder Profibereich, Videos von Nachbarschaftskonzerten oder Gemeinschaftsproduktionen auf Youtube sprießen nur so aus dem Boden. Während im ersten Fall das Bedürfnis der Menschen nach gemeinsamem Musizieren klar im Vordergrund steht, fließen im Fall von Kollektivformaten, die genuin für den virtuellen Raum konzipiert wurden, auch der Erhalt des Kontakts zu anonymen Fans und die Wahrung der Existenzgrundlage von Musikern als Motive in die musikalische Produktion mit ein. Diese Videos zeichnen sich zudem durch ein mittlerweile Corona-typisches Erscheinungsbild aus: der Bildschirm ist in kleine Vierecke aufgeteilt, mit denen die einzelnen Mitglieder einer Band, eines Chors oder Orchesters in privatem Rahmen zu sehen sind. Mit ihren Instrumenten oder ihren Stimmen geben die Subjekte gemeinsam einen Song oder ein Stück aus ihrem Repertoire zum Besten.

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„Zeig mir, wie du klingst!“


von Anna Schamberger und Barbara Wiedner


„Zeig mir, wie du klingst!“ ist eine Aufforderung – ja eine Forderung, die wir mit Fokus auf Objekte der Musik in Sammlungen und Ausstellungen diskutieren wollen. Einerseits ist sie Ausdruck für den Wunsch vieler Besucher*innen von Museen und objektsammelnden Institutionen, solche Exponate möglichst live hören zu können. Zum anderen ist es eine Aufforderung, Zusammenhänge, Ereignisse und die Sammlung selbst auditiv zu erschließen. Der Zusammenhang von objektbasierter Forschung, Erkenntnisgewinn und Musik reicht historisch weit zurück. Nicht zuletzt spielte schon im „mouseion“ von Alexandria um 300 v. Chr. als Ort des intellektuellen Austauschs Musik eine wesentliche Rolle,[i] so dass unsere Aufforderung in bester Tradition steht.

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