Neue Konzertformate – Notwendigkeit oder Zeitverschwendung?


von Sabina Fichtl


Aufgeladene Atmosphäre. Die Luft scheint elektrisiert. Ein wild umherhüpfender Dirigent tanzt vor einem in zwei Gruppen eingeteiltem klassischen Streicherquartett und fünf Bläsern. Während der ‚Dirigent‘ einen Notenständer durch die Luft schwingt, wechseln sich wummernde elektronische Beats mit klassischer Musik ab.

Diese Aufführung des Münchner VKKO (Verworner-Krause-Kammerorchester), ist nur eine der wenigen Darbietungen, welche innerhalb des ersten D-bü-Wettbewerbs in Berlin stattfanden. Im erstmals 2017 durchgeführten Wettbewerb werden jedes Jahr neuartige Konzertformate vorgestellt. Im Mittelpunkt sollen, laut offizieller Angabe, „Themen wie Innovation und Originalität sowie die Nachhaltigkeit der Formate“ stehen. Somit sind alle Arten von Vorschlägen willkommen, außer jene welche traditionellen klassischen Konzertformaten ähneln. Wie kamen die Schöpfer dieses Wettbewerbs jedoch auf eine solch außergewöhnliche Idee? Verliert das klassische Konzert etwa an Besuchern, da immer mehr Menschen offen für unkonventionelle Konzertkonzepte sind und sich nach Innovation sehnen?

Allgemein lässt sich beobachten, dass vor allem in den letzten Jahren neuartige Konzertformate einen ungeheuren Aufschwung erlebt haben. Auch die Coronakrise hat hierzu einen entscheidenden Beitrag geleistet. Durch sie wurde die Welt auf den Kopf gestellt. Nicht nur unser alltägliches Leben, sondern auch die Kultur- und Freizeitbranchen wurden stark getroffen. In Krisenzeiten ist jedoch allgemein Kreativität und Innovation gefragt, um die vielseitigen Veränderungen attraktiver zu gestalten. Digitale Eventformate, hybride Events oder Livemusikveranstaltungen kamen immer mehr in Mode, bei welchen die Auflösungen von Genregrenzen, ungewöhnlichste Räumlichkeiten und verschiedenste neue Kommunikationsarten mit dem Publikum im Mittelpunkt stehen.

Sind diese Arten von hybriden Events das Konzertformat der Zukunft, welches das klassische Konzert mit der Zeit vollends verdrängen wird? Oder findet die Begeisterung bald ihr Ende? Gibt es überhaupt eine dringende Notwendigkeit, das klassische Konzertwesen zu modernisieren?

Werden die Besucherzahlen von klassischen Konzerten betrachtet, fällt auf, dass eine starke Überalterung des Publikums vorherrscht. Woran könnte dies liegen? Hat sich der allgemeine musikalische Geschmack stark verändert? Die erst 2022 veröffentlichte Studie von V. Pawlik zeigt, dass das allgemeine Interesse an klassischer Musik sehr gering ist. 31.84 Mill. von 70.60 Millionen Menschen der deutschsprachigen Bevölkerung ab 14 Jahren gaben an, diese Art von Musik überhaupt gar nicht zu hören. Thomas K. Hamann vertritt in seinem Artikel Besuch von Konzerten klassischer Musik – eine Frage des Alters oder der Generation? die Meinung, dass die Medien eine große Rolle spielen: Heutzutage wachsen die Kinder nun mal mit vollkommen anderer Musik auf als noch vor ungefähr 80 Jahren. Wichtig zu wissen ist nämlich, dass der Musikgeschmack in der Jugend geprägt wird. Und womit wir aufwachsen, das begleitet uns das ganze Leben.

Nicht nur die Zuhörer von klassischen Konzerten werden immer älter. Auch deren Konzertprogramme werden kaum erneuert. Werke von bereits verstorbenen Komponisten dominieren die Programmwelt.[1] Schon Carl Dahlhaus beschrieb dies: Das Fundamentale im klassischen Konzert ab der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts sei die „übermächtige Präsenz älterer [historischer] Musik“[2]. Daran hat sich bis heute nicht viel geändert. Nicht nur die Erneuerung von Konzertprogrammen findet kaum mehr statt. Das Konzert erfährt eine Standardisierung. Die Improvisation und die freie Kadenz wurden hierfür geopfert. Innovation und Veränderungen scheinen nicht mehr erwünscht.

Das Konzertwesen der klassischen Musik hat sich also seit seiner Etablierung im späten 19. Jahrhundert so gut wie nicht verändert. Die Dramaturgie und Aufführungspraxis des klassisch bürgerlichen Konzerts ist nahezu gleichgeblieben und ist sogar in manchen Augen stagniert und von ständiger Repetition geprägt.[3] Es hat seine musealen Strukturen nicht abgelegt. Immerzu werden die gleichen Stücke gespielt und die gleichen Komponisten rezipiert. Im Gegensatz hierzu passten sich moderne Musikstile an soziale und gesellschaftliche Umwälzungen an. Musik wie Rock und Pop orientieren sich an alltäglichen Emotionen der Menschen und greifen deren Sorgen und Probleme in ihren Songtexten auf. Wohingegen in ‚klassischer Musik‘ universale Gefühle zwar auch thematisiert werden, dies jedoch meist nicht direkt angesprochen wird. Der Zuhörer muss vorerst schon über Inhalte und Bedeutungen informiert sein, um diese im Konzert verstehen und sich mit ihnen identifizieren zu können. Zum Beispiel würden die meisten Menschen das Violoncellokonzert in e-Moll op. 85 von Edward Elgar im Moment der Aufführung als zutiefst emotional empfinden. Jedoch findet der alltägliche Musikkonsument wahrscheinlich keinen langfristigen Zugang zu dieser Art von Musik, da er keinen persönlichen Bezug hierzu herstellen kann. Wäre man sich allerdings der Erfahrungen Elgars vor dem Konzert bewusst und wüsste von seinen damaligen Lebensumständen, könnte der Zuhörer die Musik verstehen und sie emphatisch auf mögliche eigene Situationen beziehen. Die U-Musik schafft es auf viel direkter Weise, dass der Zuhörer eine direkte Verbindung zur Musik erfährt und diese deshalb vielleicht möglicherweise auch vorzieht.

Mittlerweile wird sogar häufig von einem ‚Ritual‘ des klassischen bürgerlichen Konzerts gesprochen. Alles ist immer gleich aufgebaut: Jeder Besucher muss Eintritt zahlen. Ein seriöses Auftreten mit passend ‚festlicher‘ Kleidung wird erwartet. Publikum und Musiker werden räumlich stark getrennt, wobei die Musiker auf einem erhöhten Podest sitzen. Es findet keine freundliche Kontaktaufnahme zwischen beiden Parteien statt. Die Frontalstruktur ist maßgebend. Während des Konzerts ist so still wie möglich zuzuhören, bis der letzte Ton erklungen ist. Nun ist es dem Zuhörer erlaubt Beifall zu klatschen.

Der Besucher hat sich also fast wie in einem sakralen Bau zu verhalten, soll andächtig lauschen und wird als teilnahmsloses Subjekt behandelt. Der Konzertsaal scheint einem religiösen Tempel zu gleichen. Vor allem heute ist eine solche Handhabung in traditionellen klassischen Kreisen Alltag. Christian Kellersmann (Leiter der Abteilung Classics & Jazz der Universal Music Group) ist der Meinung, dass der Klassikbetrieb im Bereich Marketing neue Aufführungsformate oder die Orchesterstruktur seit langer Zeit verschlafen hat.[4] So lässt sich vermuten, dass anscheinend von manchen Seiten keinerlei Interesse besteht, das klassische Konzert auf irgendeiner Art und Weise den heutigen Zeitumständen anzupassen. Es wirkt, als bestünde in der älteren Generation eine grundsätzliche Angst vor Neuem und Innovation. Vor allem der sogenannte „Crossover“ von E-Musik und Unterhaltungsmusik scheint verpönt. Unter Vertretern der E-Musik ist dieser Begriff mit vielen negativen Assoziationen behaftet. So ist es kaum verwunderlich, dass der ersehnte Publikumszuwachs weitgehend ausbleibt und sich die oben genannten Zahlen nur bestätigen. Dabei mag das Problem nicht einmal an der klassischen Musik selbst liegen, sondern an der Art und Weise wie diese dargeboten wird. Das Image, welches die klassische Musik zu haben scheint, ist vielen Menschen ein Dorn im Auge. Wenn also nicht die klassische Musik an sich, sondern die Art der Darbietung das Problem ist, wären neuartige Konzertformate dann nicht der beste Weg dieses Dilemma annähernd aus der Welt zu schaffen?

Scheinbar erwachen langsam selbst die Musikinstitutionen. Viele Musikhochschulen veranstalten verschiedenste Wettbewerbe und greifen damit das Streben nach Neuem und Innovation auf. Darunter sind die Musikhochschulen Detmold, Hamburg und Berlin zu finden. Seminare wie das Concert-Lab – ein Laboratorium für neue Konzertideen, Wettbewerbe wie der D-bü in Berlin und Festivals wie das Clab Festival bringen neuen Wind in das verstaubte Ritual. Neue Klassikformate können hier kreiert, ausprobiert und vorgestellt werden. Ein Beispiel des Clab Festivals war das Projekt Contemplatio – Clap Hybrid welches 2021 sogar per Livestream besucht werden konnte.

Verschiedenste Musiker, unter ihnen viele Studenten, arbeiteten an diesem Projekt zusammen. Mohammed Ali Ponten, welcher die künstlerische Leitung des Contemplatio-Projekts innehatte, beschrieb diese Zusammenarbeit als folgende: „Die Grundidee war im Prinzip einen Dialog zu schaffen, aus elektronischen Klängen und klassischer Musik“. […] Eine Reise durch die Mystik der drei monotheistischen Weltreligionen, begleitet von Raum, Licht [und] Sound“. Nach der Liveaufführung durften die Besucher sogar die Künstler in einem Meeting kennenlernen! Von solch einer Gelegenheit kann man als gewöhnlicher Bürger in traditionellen Konzerten nur träumen. Des Weiteren bietet die Neue Philharmonie in Frankfurt neben den klassischen Formaten wie Sinfonie- oder Kammerkonzert, auch Crossover-Shows, Events und Tourneen an. Das Event bietet musikalische Umrahmungen von beispielsweise Firmen-Jubiläen, Preisverleihungen, Tagungen und Kongressen, Soundtracks zu Film- und Fernsehproduktionen usw. an. Von den Besuchern kann darüber hinaus auch noch eine große stilistischen Bandbreite von Klassik bis Heavy Metal gewählt werden. Bei den Tourneen werden Stars auf Bühnen des Zirkus Krone oder auch der Arena di Verona eingeladen, auf welchen sie dann zusammen mit dem Frankfurter Orchester performen. Besonders gut kommen auch die Cross-over-Shows bei den Zuschauern an. Diese Konzerte finden in Parks, auf Festwiesen oder in Veranstaltungshallen statt und reißen den Besucher mit zusätzlichen Lichtshows und Moderation mit. Selbst die Musik ist abwechslungsreich, denn hier trifft Mozart auf Metallica oder Bach auf die Beatles. Ein sehr aktuelles Beispiel ist das am 19.08.2022 stattfindende Symphonic Rock in Concert Vol. 2.

https://www.youtube.com/watch?v=Het84pqgqQg

Viele Musikstudenten setzen sich ebenfalls mit viel Einsatzkraft und Freude für neue Konzertformate ein. In Hamburg entstand zum Beispiel Mr. Händel im Pub – Baroque meets Folk, bei welchem in bester Londoner Tradition Barock- und Folk-Musik nebeneinandergestellt wurde.

In lockerer und fröhlicher Atmosphäre erfahren die Zuhörer zudem historische Fakten und Informationen zu den einzelnen Stücken. Durch die Räumlichkeiten und den fortlaufenden Dialog zwischen Publikum und Musiker verschmelzen beide ‚Parteien‘ zu einer Einheit! Die strenge Trennung wurde aufgelöst. Das Publikum fühlt sich auf diese Weise den Musikern nahe und hat das Gefühl diese kennenzulernen.

Dies ist nur eines der wenigen Beispiele für neuartige Konzertformate. Bisher ist es zwar noch nicht vollständig sicher, ob sich derartige Formate immer weiterentwickeln werden. Dennoch ist momentan ersichtlich, dass sie großen Anklang finden und unter den Menschen viel Flexibilität und Offenheit herrscht. Vielleicht sollten grundsätzlich öfters traditionelle Konzerte angeboten werden, in welchen zumindest die Grenzen zwischen Publikum und Musiker ein wenig aufgelöst werden. Beispielsweise könnte man sich einen eher kleinen Raum vorstellen, der mögliche Pianist in der Mitte und die Zuhörer im geringen Abstand um ihn herumsitzend. Dies würde eine viel intimere Atmosphäre schaffen. Sicher wird jedoch das konventionelle Konzert als stetiges Fundament im Kulturangebot bestehen bleiben. Dies schließt jedoch nicht aus, dass weiterhin nach neuen Formaten gesucht werden wird. Ziel sollte eigentlich nicht das völlige Verschwinden des klassischen Konzerts sein. Schließlich können dadurch die Traditionen aufrechterhalten werden, die die musikalische Aufführungspraxis für eine lange Zeit prägten. Vielmehr wichtiger ist, dass verschiedenste Arten an Formaten im Kulturangebot vertreten sind. Ziel sollte also die Vielfalt an Konzertformaten sein. Jeder Mensch kann für sich entscheiden, welche Art von Konzerten er besuchen möchte. Schlussendlich geht es doch um die Liebe zur Musik und darum, diese zu teilen.


[1] Vgl. Christian Kellersmann: „Wege der Erneuerung“, in: Das Konzert. Neue Aufführungskonzepte für eine klassische Form, hg. v. Martin Tröndle, Bielefeld: transcript Verlag 2014, S. 221–226, hier S. 224. Das Programm der Sächsischen Staatskapelle Dresden zeigte im Jahr 2014 beispielsweise fast nur Werke von Komponisten, die bereits lange tot waren. Ausschließlich ein einziger Komponist (1 von 35) war überhaupt noch am Leben.

[2] Carl Dahlhaus, Die Musik des 19. Jahrhunderts, Wiesbaden 1980, S. 20.

[3] Vgl. Markus Rhomberg u. Martin Tröndle: „Eine Diskursanalyse“, in: Tröndle, Das Konzert, S. 357–386, hier S. 365.

[4] Vgl. Kellersmann: „Wege der Erneuerung“, S. 222–226.



Diesen Blogbeitrag zitieren
Sebastian Bolz (2022, 11. Oktober). Neue Konzertformate – Notwendigkeit oder Zeitverschwendung? MuwiMuc. Abgerufen am 13. Juni 2024, von https://doi.org/10.58079/rpq1

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