Vom ver­nebelten Heiz­keller zur digitalen Show­bühne: Das sehende Hören im Format ‚Boiler Room‘


von Bettina Baldauf


Was als Live-Videodokumentation einer Party in einem Heizkeller der Londoner Underground-Szene begann, kennt man heute mit über 8000 Übertragungen in mehr als 200 Städten als eine der größten Streaming-Plattformen für elektronische Musik. Das Konzept des britischen Boiler Room-Gründers ist einfach: ein DJ, eine tanzende Menge und eine Webcam, die das Treiben im Club für ein interessiertes Publikum festhält, das vor den Monitoren zuhause sitzt. In der Mediathek des Formats ‚Boiler Room‘ finden sich vor allem die DJ-Legenden des Techno und House vereint. Von Jeff Mills, Richie Hawtin und DJ Hell über Carl Cox und Sven Väth bis hin zu Ben Klock und Dixon –, sie alle drückten bereits vor der berühmten Kamera den Play-Knopf eines CDJ-Players. Der Grundgedanke des Formats ist, Musik auf neue Weise digital zu plattformieren und die Clubkultur weltweit zugänglich zu machen. Daraus entwickelten sich in den vergangenen Jahren jedoch regelrechte Showevents, bei denen sich alles um die Aufnahme des inszenierten Feierexzesses dreht und wo sich nicht nur der DJ selbst, sondern auch das Publikum gekonnt in Szene setzt. Das Resultat ist eine erzwungen und aufgesetzt wirkende Feierlaune, die virtuelle Visualisierung stereotypischer Rezipienten und die damit verbundene Erfüllung zahlreicher Klischees der Szene. Doch daneben schafft das Format Boiler Room ein grundlegend neues Konzept von Musik, indem es diese in einen neuen Raum der virtuellen Musikkultur transponiert. Das technische Medium selbst arbeitet dabei nicht mehr nur als reiner Vermittler der Musik, sondern kreiert mit digitalen Mitteln eine ganz neue Sparte, die auch neue Facetten des musikalischen Agierens und Hörens mit sich bringt. Doch inwieweit verändern sich im Boiler Room die einzelnen Koordinaten der Technokultur?

DER DJ

Im Boiler Room erhält der DJ als Musikspielender und treibende Kraft des Geschehens eine deutlich größere Aufmerksamkeit. Obwohl der Diskjockey als eine der wichtigsten Säulen der Technokultur angesehen werden kann, rücken ihn das Strobogewitter, das feiernde Publikum und die Nebelwolken im Club normalerweise häufig aus dem Zentrum. Demgegenüber stellen die Videoaufnahmen des Boiler Room den DJ in den Mittelpunkt, indem er in seiner Versunkenheit der Beobachtung ausgesetzt ist. Schon die Ausrichtung des Pults, mit der der DJ dem Publikum vor Ort den Rücken zukehrt und stattdessen frontal zur Webcam agiert, macht diese wesentliche Verschiebung deutlich. Den Zuhörern hinter der Kamera zeigt der DJ zwar sein Antlitz, er hat an ihnen während des Streamings jedoch darüber hinaus kein großes Interesse. Statt mit diesem Teil des Publikums über seinen Blick zu interagieren, widmet er seine Aufmerksamkeit ganz und gar seinem musikalischen Auftritt. Dieser Auftritt geschieht im Boiler Room durchaus aus einem künstlerischen Anspruch heraus. Denn der Diskjockey legt nicht nur Schallplatten auf und spielt Audiodateien von einem USB-Stick ab, sondern nimmt diese einzelnen Tracks aus ihrem ursprünglichen Kontext und bringt sie in Form seines eigenen Sets in Verbindung mit anderer Musik und in einen ganz neuen Kontext. Die Ausrichtung des Pults und die genaue Dokumentation des Mixings an den Decks sorgt außerdem dafür, dass der DJ einen selten intimen Einblick in sein Handwerk gibt und diesen ohne zeitliche Einschränkung als abrufbares Video zum Nacherleben in der virtuellen Musikwelt verfügbar macht. Bereits hier wird deutlich: Anders als im vernebelten Club ist der DJ des Boiler Room-Streams nicht nur durch seine Musik hörbar, sondern er ist während seiner Performance in HD-Qualität vor allem auch sehr gut sichtbar. Durch die Perspektive des Beobachters am Monitor verändert sich mit dem Konzept des Boiler Room auch grundlegend die Beziehung zwischen auditiven und visuellen Reizen in der Clubkultur: Die Musik wird als eine Folgewirkung der sichtbaren Handlungen des DJs interpretierbar, die man im Club selbst normalerweise gar nicht wahrnimmt.

DAS PUBLIKUM

Hinter dem DJ tummeln sich die Privilegierten der Boiler Room-Gästeliste: unübersehbar vor der Kamera posierend, nicht selten im Drogenrausch und immer topaktuell gestylt und gekleidet. Die Besucher der Boiler Room-Partys erfüllen nicht nur viele Klischees, sondern unterscheiden sich auch stark vom Breitenpublikum der Szene. Der Clubbesuch im Techno-Underground zeichnet sich vor allem durch Anonymität, Intimität und Privatheit aus. Die vernebelte Atmosphäre verleitet das Publikum dazu, sich den Klängen geistig und körperlich hinzugeben. Was geschieht aber, wenn dieses ganz intime, einmalige Erlebnis durch Videoaufzeichnung dokumentiert wird? Die Distanz- und Gedankenlosigkeit des sich bewusst dem Hören und Tanzen Widmenden löst sich unterdessen zu einer Distanz schaffenden Selbstreflexion des nun eher sehenden und gesehenen Rezipienten auf. Weil sich dieser selbst nun in erster Linie in Szene setzen will, tritt das intime Hörerlebnis stark hinter das Primat der Sichtbarkeit zurück. Das Moment der unbeobachteten Losgelassenheit kann in dem Wissen, einer ständigen Beobachtung ausgesetzt zu sein, schlichtweg nicht mehr stattfinden. Deshalb ist auch anzunehmen, dass die meisten Anhänger der Clubszene kein großes Interesse daran haben dürften, Teil des beobachteten Publikums in Boiler Rooms zu sein, und dabei nicht nur zum dargestellten Sujet, sondern auch zu Selbstdarstellern zu werden.

Boiler Room erweitert dieses inszenierte Publikum vor der Kamera konfrontativ um ein Publikum hinter der Kamera und vor dem Bildschirm, das nicht nur Rezipient der Musik ist, sondern auch Beobachter eines Musik hörenden Publikums. Dieser Teil des Publikums gerät dabei von der Aktivität der Bewegung und des Tanzens in die Passivität einer Konzertsituation, in der ein digitales Interface in der Kommunikation zwischengeschaltet ist. Dieses grundlegend neue, interpassive Konzept des Musikerfahrens transformiert das einmalige und einzigartige Cluberlebnis in ein wiederholbares, zu jeder Zeit und an jedem Ort abrufbares Ereignis in der virtuellen Digitalität. Damit schafft es ‚Boiler Room‘ zwar, die elektronische Musik am Rande des Mainstreams global zu verbreiten und prinzipiell für jedermann zugänglich zu machen. Der Erlebensprozess der Musik ist jedoch um bislang gültige Grundzüge verkürzt, sodass sich der Vorgang ihrer Rezeption stark verändert. Der Zuhörer wird dabei vielmehr zum Zuschauer, der an seinem Gerät oder Bildschirm stets einer visuellen Schnittstelle begegnet, ehe er zur Musik vordringt. Dadurch entsteht eine Distanz zum Klang, die dem Sehen im Prozess der Musikwahrnehmung eine ganz neuartige Bedeutung zukommen lässt. Der virtuelle Raum des Boiler Room geht also einher mit der beförderten Haltung eines sehenden Hörens.

DER BEGRIFF DES ‚UNDERGROUND‘

Boiler Room bietet nicht nur dem weitgehend etablierten Techno im Stil von Amelie Lens und Adam Beyer, sondern auch unbekannteren DJs und Subgenres des Underground fernab der Masse eine Plattform für Austausch und Verbreitung. Auch solche versteckten Strömungen werden bei Boiler Room als virtuelles Partyerlebnis und in manchen Fällen sogar in Form eines Dokumentarfilms weltweit auf dem Silbertablett serviert. Die Verwandlung des verborgenen, privaten Underground im frei verfügbaren, öffentlichen Mainstream verhilft den einzelnen Nischen zwar zu einer größeren Reichweite und damit zu mehr Publikum, lässt aber zentrale Charakteristika der Szene verloren gehen. Jenen Raum, der frei von Moral und außerhalb der etablierten Gesellschaft und der Legalität existiert, wie er vor allem den Anfängen der Technoszene in Detroit und später Berlin nachsagt wird, kann das Format ‚Boiler Room‘ in der digitalen Dokumentation der Geschehnisse nicht retten. Stattdessen wird das Erleben, das ins Dunkle des „Hier und Jetzt“ gehüllt ist, in ein glasklares Beobachten zu jeder Zeit transformiert. Eine euphorische Tanzkultur im Untergrund inmitten von wummernden Subwoofern und hitziger Luft wird ersetzt durch ein delegiertes Genießen vor dem Bildschirm. Dort können Subjekte in der Virtualität an den intensiven Empfindungen der Menschen vor der Kamera teilhaben, ohne auch nur einen Fuß vor die Tür zu setzen.

Die Unterschiede zwischen der ursprünglichen Technokultur und dem Phänomen Boiler Room verdeutlichen, dass das Format nicht als Spiegelbild der Szene an sich verstanden werden sollte, sondern als neuartige musikalische Praktik im virtuellen Raum. Die digitale Plattform ist allerdings kein autonomes virtuelles Phänomen, sondern immer noch in der leiblich-physischen Realität jener Live-Situation verankert, die die Webcam überträgt. Mit Boiler Room und seinem Regime des Sehens entstand dennoch eine ganz neuartige Ästhetik, die den Diskjockey im Zentrum des Geschehens positioniert und das Publikum in zwei Hälften vor und hinter der Kamera teilt. Und dabei spielen diese Kamera und ihr Auge, das dem DJ beim Mixing und der tanzenden Meute beim Hören zuschaut, eine viel größere Rolle als das Hören selbst. Man könnte sagen, auf die Spitze getrieben geht es nur noch um eins: Sehen und gesehen werden.


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