„Zeig mir, wie du klingst!“


von Anna Schamberger und Barbara Wiedner


„Zeig mir, wie du klingst!“ ist eine Aufforderung – ja eine Forderung, die wir mit Fokus auf Objekte der Musik in Sammlungen und Ausstellungen diskutieren wollen. Einerseits ist sie Ausdruck für den Wunsch vieler Besucher*innen von Museen und objektsammelnden Institutionen, solche Exponate möglichst live hören zu können. Zum anderen ist es eine Aufforderung, Zusammenhänge, Ereignisse und die Sammlung selbst auditiv zu erschließen. Der Zusammenhang von objektbasierter Forschung, Erkenntnisgewinn und Musik reicht historisch weit zurück. Nicht zuletzt spielte schon im „mouseion“ von Alexandria um 300 v. Chr. als Ort des intellektuellen Austauschs Musik eine wesentliche Rolle,[i] so dass unsere Aufforderung in bester Tradition steht.

Dass unsere Forderung nicht immer ganz leicht umzusetzen ist, zeigen die Beispiele Musikinstrumente und historisches Notenmaterial. In beiden Fällen gründet die Existenz der Objekte zumeist in ihrer Bestimmung, zum Klingen gebracht zu werden: Partituren, Stimmbücher und Tabulaturen sind zumeist Anleitungen zum Musizieren. Für Musikautomaten und deren Programmträger (Notenrollen, Stiftwalzen, Loch- und Stiftscheiben), für Tonträger (Schallplatten, Tonbänder, CDs) und auch für Synthesizer oder Tonstudios zur Erzeugung elektronischer Musik gilt dasselbe wie für herkömmliche Musikinstrumente, wir wollen sie hören. So führt das Anspielen eines Musikinstruments in der persönlichen Museums­vermittlung bei Besucher*innen zu einem emotionalen Erleben. Manchen Instrumenten tut es sogar gut, wenn sie von Zeit zu Zeit gespielt werden. Themen wie Instrumentenbaukunst, Musizierpraxis, Ästhetik oder Erfindergeist können anhand des klingenden Objekts ideal erläutert werden. So stellt es geradezu einen Widerspruch dar, diese Objekte – so visuell ansprechend sie auch sein mögen – als verstummte Relikte ausschließlich dem Sehsinn zu präsentieren.

Doch auf der anderen Seite gehört zu den Kernaufgaben von Museen (sammeln, ausstellen, forschen und vermitteln ) die Bewahrung des materiellen Kulturerbes.[ii] Inwieweit Exponate durch häufige Nutzung Schaden nehmen oder welche Alternativen sich durch Inszenierung und Digitalisierung bieten, ist für das Vermittlungskonzept zu bedenken. 

Freilich sind den Institutionen diese Herausforderungen gut bekannt. Vielerlei Alternativen der Klang- und Musikvermittlung wurden und werden angewandt und weiterentwickelt. So gibt es längst die Möglichkeit, Klangbeispiele über Kopfhörer, Handyführungen, Videosequenzen oder Hörstationen zu vermitteln.[iii] Seit einigen Jahren kommen die Möglichkeiten der Digitalisierung hinzu. Sie bietet nicht nur das weitere Erforschen von Objekten, die Bewahrung vieler Informationen, sondern ermöglicht es, sensibles Notenmaterial oder Informationen auf Ton- und Programmträgern hörbar zu machen.[iv]

Überraschend ist ein Klangerlebnis in einer Kunstgalerie. Doch auch hier kann die auditive Ansprache zu einem umfassenderen sinnlichen Erleben führen sowie Zusammenhänge zwischen Bildern und musikalischen Ereignissen aufzeigen. Manche bildenden Künstler*innen arbeiten (z. B. in Performances und Installationen) konzeptionell mit Musik und Klängen. Hier drängt sich die Frage nach der Konservierung von temporären und flüchtigen Kunstereignissen auf. Können diese ephemeren Performances und Installationen überhaupt für die Nachwelt bewahrt werden oder sind sie nur für den Augenblick gedacht? Geht die ursprüngliche Idee beim Speichern verloren? Welche Rolle spielt die Intention der Künstlerin oder des Künstlers?

Bei einem Streifzug durch einige Münchner Museen und Institutionen begegnen wir unterschiedlichen Sammlungs- und Vermittlungsstrategien, die uns die sinnlich-flüchtigen, auditiven Aspektes von Objekten der Musik und ihrer Kontexte näherbringen:

Das Deutsche Museum verfügt seit seiner Gründung 1903 über eine Sammlung mit Musikinstrumenten, von denen ein ausgewählter Teil in der Ausstellung zu sehen ist. Derzeit wird im Rahmen der Sanierung des Bauwerks und der Neukonzeption der Ausstellungen auch die Musikabteilung neugestaltet. So erwartet die Besucher*innen aktuell eine Interimslösung, in der neben Musikautomaten (vornehmlich aus der Gründerzeit um 1900) elektronische Musikinstrumente zu sehen sind. Herausragend sind dabei das Siemens-Studio für elektronische Musik und ein Teil des Nachlasses von Oskar Sala.

In der Musikabteilung finden täglich zu festen Uhrzeiten Führungen statt. Das Fachpersonal (Instrumentenbauer*innen und Musiker*innen) erklärt in diesen Führungen Geschichte und Funktionsweise und bringt Automaten oder Instrumente (sofern dies aus konservatorischer Sicht vertretbar ist) exemplarisch zum Klingen. Damit werden Technik und Musik live und interaktiv erlebbar. Zudem gibt es einige Male im Jahr Vorführungen im Siemens-Studio für elektronische Musik,wobei synthetische Klänge generiert werden.[v] Die Museums-App bietet einen akustischen Eindruck von einigen Instrumenten. Für die neue Ausstellung ist geplant, die Instrumente mit Klangbeispielen und vertieften Erläuterungen zu Instrumentenbau und Akustik zu erschließen. Klangbeispiele kommen aus Audioguides und Kopfhörern. Demonstrationen und Nachbauten sowie Führungen, Konzerte und Workshops werden es ermöglichen, die Inhalte zu vertiefen und ausgewählte Instrumente zu hören.

Das Deutsche Museum ist ein Forschungsmuseum der Technik und Naturwissenschaft. Der Fokus liegt daher darauf, die technischen Errungenschaften, Erkenntnisse und Möglichkeiten der Klangerzeugung zu vermitteln. Aus diesem Grund sieht das Sammelkonzept zunächst vor, pro Objekttypus ein Exemplar zu sammeln und auszustellen und dadurch möglichst den Entwicklungsstrang durchgängig präsentieren können. Dieses Konzept wird aber freilich für ausgewählte und besondere Instrumente erweitert. Die Funktion des Museums als Archiv wird an dieser Sammelstrategie deutlich. 

Die Städtische Galerie im Lenbachhaus beherbergt die weltweit bedeutendste Gemäldesammlung der Kunstbewegung „Blauer Reiter“. Diese Kunstbewegung war in besonderem Maße von zeitgenössischer Musik beeinflusst. Kompositionen von Arnold Schönberg, Anton Webern und Alban Berg waren für Franz Marc und Wassily Kandinsky beispielgebend für die Autonomie in der Kunst. So tragen die Bilder unter anderem Titel, die aus der Musik entlehnt sind: „Komposition“, „Improvisation“, „Gegenklänge“, „Variationen“, es entstehen Performances wie „Der gelbe Klang“.[vi]

Wassily Kandinsky: Impression III (Konzert), 1911, Öl auf Leinwand. Heute im Lenbachhaus, Inv.-Nr. GMS 78.  Foto: Städtische Galerie im Lenbachhaus und Kunstbau München.

Die Verknüpfung von bildender Kunst und Musik wird im Lenbachhaus durch eine Hörstation mit Liedern und Instrumentalmusik der oben genannten Komponisten unterstrichen. Das Kunstmuseum hat es sich zur Aufgabe gemacht, diesen interdisziplinären Gedanken weiter zu führen. So gibt es ein Vermittlungskonzept für Schulklassen, bei dem die Mitnahme eines persönlichen Datenträgers mit Musik ausdrücklich erwünscht ist, um Kindern und Jugendlichen über ihre Lieblingsmusik einen individuellen Zugang zur Kunst zu ermöglichen.

In dieser Tradition werden immer wieder Künstler*innen eingeladen, die Musik und bildende Kunst in Performances und Installationen zusammenbringen. So entstanden das Singspiel „Prekärotopia“, „Electric Ladyland“ – eine Installation von Michaela Melián, „Symphony 80“ von Ari B. Meyers und „white circle“ des Labels raster-noton.

Wie aber sind diese flüchtigen, temporären Ereignisse für die Sammlung zu erschließen und zu konservieren? Um solche Installationen in die Sammlung übernehmen zu können, sind zunächst Schulungen für die Mitarbeiter*innen zur Medienrestaurierung notwendig. Eine Standardisierung der Daten wird entwickelt, die Künstler*innen reichen digitale Programme und Files in zuvor festgelegten Formaten ein. Teile der Installationen sind so einzulagern und zu erschließen, dass sie für eine Wiederaufführung re-installiert werden können.

In der Ausstellung „Bildschön – Ansichten des 19. Jahrhunderts“ werden Gemälde durch Videoinstallationen und Hörstationen musikalisch in bestimmte Kontexte gebracht. So kann, während man in einem Raum Gemälde zum Thema Wald bzw. Baum betrachtet, per Knopfdruck von einer fest installierten Hörstation die Sängerin Alexandra mit „Mein Freund, der Baum“ angehört werden. Das stellt zusammen mit einem erläuternden Text den Konnex zum Waldsterben und zum Beginn der Ökobewegung her. Wir haben uns gefragt, ob dies nicht eine Engführung ist, die wegführt vom weiten Eindruck, der in diesem Raum beim Betrachten der Baum-Gemälde entstehen könnte? Wird das den Künstlern gerecht, die mit ihren Bildern vielleicht etwas ganz anderes ausdrücken wollten? Und braucht es diese einseitige Inspiration? Ist es überhaupt bereichernd, wenn beim Vertiefen in ein Gemälde das Lied von nur kurz im Raum herumschlenderten Besucher*innen immer und immer wieder aktiviert wird?

Diese Fragen lassen jedoch außer Acht, dass Musik Kunstwerke auch in einem neuen, ungeahnten Licht zeigen kann, wenn man bereit ist, sich darauf einzulassen. Weiter wird durch die Verbindung von klingender und bildender Kunst der Kunstbegriff allgemein erweitert.

Im Bayerischen Nationalmuseum erwarten die Besucher*innen der Musikinstrumentenausstellung optisch bestechende Exponate des 16. bis 17. Jahrhunderts, vornehmlich aus dem Hoforchester der Wittelsbacher, darunter bedeutende Holz- und Blechblasinstrumente sowie Tasteninstrumente. Der Medienguide vermittelt neben Informationen einen Höreindruck von einigen Instrumenten. Außerdem finden Konzerte und Matineen statt, in denen historische Instrumente (z. B. das Cembalo von Jean-Henri Hemsch von 1754) und Nachbauten erklingen. Darüber hinaus herrscht Ruhe in der Abteilung und die Exponate dürfen durch ihr Äußeres von Instrumentenbaukunst und musikalisch glanzvollen Zeiten erzählenAngesichts der Besonderheit, der Vielfalt und Einzigartigkeit dieser Instrumente würde man sich in diesem Fall Hörstationen, vielleicht sogar mit Raumklang, wünschen.

Geht man mit wachen Augen durch das Museum, so erschließen sich Objekte der Musik an ganz unerwarteten Stellen. So gibt es einen einmaligen Münzschrein Kurfürst Maximilians I. von Christof Angermeier d. Ä. aus dem frühen 17. Jahrhundert, der an seinen Klapptüren rechts und links musikalische Szenen darstellt. Die Stille in diesem Raum gibt die Möglichkeit, sich ganz den Darstellungen hinzugeben und sie ohne akustische Ablenkung wirken zu lassen.

Christof Angermair d. Ä.: Münzschrein des Kurfürsten Maximilian I. von Bayern, Elfenbeinschnitzereien mit Musikmotiv in den Türinnenseiten, München 1618–1624. Heute im Bayerischen Nationalmuseum, Inv.-Nr. R 4909. Foto: Bayerisches Nationalmuseum, München.

Musik kann also ebenso gut in der Vorstellung stattfinden. Hier eröffnet sich ein innerer Raum der Fantasie. Nicht immer müssen Objekte der Musik auditiv erfahrbar sein – häufig spricht ein visuelles Erlebnis für sich.  

Im Jüdischen Museum wird man im Untergeschoss durch die Installation „Stimmen, Orte, Zeiten. Juden in München“ empfangen. Für den Bereich „Stimmen“ wurden seit 2005 über 100 Menschen jüdischer Herkunft zu ihren Erlebnissen bei ihrer Ankunft in München interviewt oder deren Aussagen hierzu aus Erinnerungen und Briefen aufgenommen. Die Erlebnisse wurden teils von den Zeitzeug*innen selbst als auch von ihren Kindern sowie von Schauspieler*innen eingesprochen. Es handelt sich um sehr persönliche Erinnerungen. Die Sammlung dieser Interviews hat sich zu einem der Sammelschwerpunkte des säkularen Museums entwickelt.

Die Texte dieser Sammlung sind ausschließlich auditiv wahrzunehmen. Die Installation ist akustisch der Situation in der Ankunftshalle eines Bahnhofs nachempfunden, umgeben vom Murmeln ankommender Menschen. Erst wenn man sich Zeit nimmt und bewusst zuhört, eröffnen sich verschiedene Dimensionen des Verstehens und auch des „Berührt-Seins“. Jede aufgenommene Stimme ist hier zumindest fragmentarisch ausgestellt. Aber wie können diese Interviews als Sammlungsobjekte bewahrt werden? Sie sind einerseits von sehr persönlichem Wert und andererseits gehören manche Aufnahmen bereits zur Geschichte des Hauses. Sollen sie alle zugänglich gemacht werden – jedes Interview in seiner vollen Länge? Wie flüchtig kann etwas sein, was das Leben vieler Menschen nachhaltig geprägt hat? Ist es nicht geradezu eine Verpflichtung, diese einmaligen Zeugnisse für nachkommende Generationen zu bewahren und auch jetzt schon digital zur Verfügung zu stellen? Hierfür müssten die Rechte der Zeitzeugen an das Museum abgetreten werden. Aber wer garantiert einen angemessenen Umgang damit, wenn die Digitalisate einmal open access gingen? Zugang zur gesamten Sammlung zu ermöglichen und zugleich die Persönlichkeitsrechte zu schützen ist vor allem in Zeiten eines erstarkenden Antisemitismus eine große Herausforderung.

Geht man weiter durch das Museum, gelangt man zum Ausstellungsbereich „Rituale“ mit Gegenständen aus dem jüdisch-religiösen Ritus. Hier haben Besucher*innen die Möglichkeit, eine Purim-Ratsche auszuprobieren oder zu versuchen, dem Schofar (einem Widderhorn) einen Ton zu entlocken. Außerdem kann man mit Glöckchen besetzte Torah-Aufsätze (Rimonim) bewundern, aber nicht hören. Diese Judaica haben bereits ohne zu klingen eine wichtige Bedeutung für die jüdische Kultur und damit für die Ausstellung.

Rimonim (Torah-Aufsätze) im Jüdischen Museum, München. Foto: Anna Schamberger.
Purim-Ratsche im Jüdischen Museum, München. Foto: Jüdisches Museum, Wilfried Petzi.

Hauptsächlich schriftliche Quellen der Kompositionsgeschichte werden in der Musikabteilung der Bayerischen Staatsbibliothek gesammelt. Bis auf die Noten ohne Jahreszahl ist der Bestand an Handschriften aus der Zeit vor etwa 1920 digitalisiert, erschlossen und bereitgestellt. In temporären Ausstellungen werden Noten-Autographe und Drucke aus dem eigenen Bestand gezeigt. Interessanterweise mindert die digitale Bereitstellung nicht das Interesse an den Originalen, im Gegenteil: Die Anfragen danach sind sogar noch gestiegen.[vii]

Seit 2010 werden in „Werkstattkonzerten“ Handschriften und Drucke des Hauses zum Erklingen gebracht. Initiativen, den Notenbestand hörbar zu machen, gelten zwar nicht zur primären Aufgabe der Bayerischen Staatsbibliothek, sollten aber weiterhin gefördert werden. Nur durch das Engagement Einzelner über ihre eigentliche bibliothekarische Arbeit hinaus wird dieses Projekt aufrechterhalten. Es ist unerlässlich, diese belebenden Initiativen und Aktivitäten zu unterstützen. Musik wird erst durch das Erklingen lebendig, die Arbeit der Komponist*innen wird durch das Spielen ihrer Werke gewürdigt und mancher Schatz findet dadurch erst seine Liebhaber*innen, da ein vielschichtiges Publikum angesprochen wird und Musik Verbreitung findet.  

„Zeig mir, wie du klingst!“, diese Aufforderung bleibt bestehen, und sie möchte Museen und Institutionen ermutigen, trotz mancher Kontroversen weiter zu gehen in ihren musikalisch-akustischen Vermittlungskonzepten. Die Präsentation von immateriellem und flüchtigem Kulturgut und von Kulturpraktiken hat den Spagat zwischen Bewahren und Erleben zu bewerkstelligen.[viii] „Zeig mir, wie du klingst!“ möchte herausfordern, auditiven Output gezielt zu pflegen und zu fördern, damit Musik in ihrer gesamten Erscheinungsform sinnlich erfahrbar bleibt und wird.


Dieser Text ist Teil der Reihe „Musik und ihre Objekte“. Eine kurze Einführung zu dem Projekt, aus dem er hervorgegangen ist, finden Sie hier.


Literatur

Bernhard Graf, Volker Rodekamp, „Einleitung“, in: Museen zwischen Qualität und Relevanz. Denkschrift zur Lage der Museen(Berliner Schriftenreihe zur Museumsforschung 30), hg. v. dens., Berlin 2016, S. 11 f. 

Bettina Habsburg-Lothringen, „Zur Vermittelbarkeit von Tondokumenten in Ausstellungen“, in:  Musikausstellungen. Intention, Realisierung, Interpretation (Folkwang Studien 19), hg. v. Andreas Meyer, Hildesheim 2018, S. 23−32.

Sabine K. Klaus, „Musikinstrumentensammlungen: Entstehung, Profil und Ort in der Museumslandschaft heute“, in: Museum Aktuell88 (2003), S. 3751−3754.

Reiner Nägele, „Stilgeschichte als Problem. Über die prinzipielle Unmöglichkeit einer digitalen historischen Musikwissenschaft“, in: International Winterschool „Digital Musicology – Digitalisierung in der Musikwissenschaft“, hg. v. Stefan Morent, Tübingen 2017, http://dx.doi.org/10.15496/publikation-18075 (aufgerufen am 13.08.2019).

Christiane Rieche, „Musikinstrumentenausstellungen: Konzepte, Präsentation und akustische Vermittlung“, in: Museum Aktuell 88 (2003), S. 3763−3766.Eric de Visscher, „Music in Museum – A Model For The Future?“, in: Musikausstellungen. Intention, Realisierung, Interpretation, hg. v. Andreas Meyer, Hildesheim 2018, S. 13−22.


Anmerkungen

[i] de Visscher, 2018, S. 13.

[ii] Graf, Rodekamp, 2016, S. 11; Klaus, 2003, S. 3751.

[iii] Rieche, 2003, S. 3765.

[iv] Nägele, 2017, S. 8; siehe zu den kritischen Punkten ebd., S. 3.

[v] Weitere Stories zum Siemens-Studie auf unserem InstagramAccount.

[vi] Vgl. de Visscher, 2018, S. 14.

[vii] Nägele, 2017, S. 8.

[viii] Vgl. Habsburg-Lothringen, 2018, S. 24.


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1 Kommentar

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  1. Das ist ein spannender Beitrag! Als Restauratorin gefällt mir, dass auf die Kontroverse zwischen Bewahren und Vermitteln hingewiesen wird. Hierzu noch einige Gedanken:

    1. Auf welche Instrumente bezieht sich die Aussage, dass es einigen Instrumenten gut tue, hin und wieder gespielt zuwerden? Historische Instrumente kann dies nicht meinen und die Auswirkungen von „hin und wieder spielen“ sind bereits Gegenstand naturwissenschaftlicher Forschung. Diese zeichnet ein anderes Bild: Ein Saiteninstrument etwa, das hin und wieder aus dem Museumskontext raus in eine Konzertsituation hineingebracht wird, durchläuft zyklische (immer wieder Schaubesaitung stimmen und danach Saitenzug wieder lösen) und langfristige statische und klimatische Belastungen (Atemluft, Körperwärme, Raumklima statt Vitrine etc.), die auf mikrostruktureller Ebene zu irreversiblen Schäden führen können. Dann noch der Musikerschweiß, der die gealterte Oberfläche angreifen kann, denn Schweiß ist eine chemisch reaktive Substanz, die Alterungsprozesse im Holz oder an seinen Beschichtungen beschleunigen kann. Holz reagiert außerdem empfindlich mit Materialspannungen auf plötzliche und punktuelle Klimaschwankungen. Museumsobjekte sind durch Alterungsprozesse im Material und die Objektgeschichte ohnehin schon fragiler als Instrumente, die erst wenige Jahre auf dem Buckel haben- und jedes Mal, wenn ein historisches Instrument einer Konzertsituation ausgesetzt wird, es gestimmt wird, geschehen von außen kaum sichtbare physikalische Prozesse, die aber eben doch geschehen, und die aufgrund von Hysterephänomenen nie ganz reversibel sind. Zyklische Belastungen und Langzeitbelastungen z.B. durch Saitenzug können sogar zu einem Kriechverhalten im Holz führen, wodurch das Instrument sich langfristig verformt und verändert.

    Dass es Instrumenten gut tut, gespielt zu werden, lässt sich demnach für historische Musikinstrumente mit Kulturgut-Status provokativ eher so formulieren: es fühlt sich für den Musiker gut an, historische Instrumente zu spielen.

    2. Es ist doch eigenartig, dass man bei Möbeln im Museum keinem mehr erklären muss, dass sie nicht „probegesessen“ oder „probegelegen“ werden dürfen, um sich in das Wohnen mit irgendeiner Epoche hereinfühlen zu können – während dem Wunsch nach klingenden Instrumenten aber bereitwillig nachgegeben und dieser noch bestätigt wird?

    Die Forderung, Instrumente immer auch klingend hören zu wollen, ist eine egoistische und eine naive, die auf einer obsoleten sentimentalen Idee eines vermeintlichen Original-Klangs fußt. Dieser ist oft eine Illusion, da viele Faktoren nicht mehr reproduzierbar sind, sei es durch die Alterung des Instrumentes oder fehlendes Wissen zur Spieltechnik usw. Seit der Gründung von musealen Instrumentensammlungen hat die Forderung nach Spielbarkeit mehr Schaden angerichtet als der Wissensvermittlung gedient (sicher-zu diesem Schluss musste man auch erst gelangen).
    Bei einer Debatte um Klangerfahrung sollte daher mehr für die Akzeptanz „stiller“ Instrumente geworben werden, damit das Publikum versteht und akzeptieren kann, dass manchmal die Neugierde leer ausgehen muss. Denn es muss bei jedem Instrument abgewogen werden, ob die langfristige Beschleunigung des Verfalls durch Spielbarmachung und -Haltung sich für die Wissensvermittlung eines Klanges, der nie den Originalklang abbilden kann, wirklich lohnt.