Musikalische Kooperation: Auf der Suche nach Alternativen im virtuellen Raum


von Simon Wagner


In Zeiten von Corona müssen in vielen Bereichen des öffentlichen, aber vor allem auch des privaten Lebens Abstriche gemacht werden. So ist es nicht weiter verwunderlich, dass die Musikerszene in Anbetracht der staatlich verordneten Maßnahmen Alternativen für das gemeinsame Musizieren finden muss. Egal ob im Amateur- oder Profibereich, Videos von Nachbarschaftskonzerten oder Gemeinschaftsproduktionen auf Youtube sprießen nur so aus dem Boden. Während im ersten Fall das Bedürfnis der Menschen nach gemeinsamem Musizieren klar im Vordergrund steht, fließen im Fall von Kollektivformaten, die genuin für den virtuellen Raum konzipiert wurden, auch der Erhalt des Kontakts zu anonymen Fans und die Wahrung der Existenzgrundlage von Musikern als Motive in die musikalische Produktion mit ein. Diese Videos zeichnen sich zudem durch ein mittlerweile Corona-typisches Erscheinungsbild aus: der Bildschirm ist in kleine Vierecke aufgeteilt, mit denen die einzelnen Mitglieder einer Band, eines Chors oder Orchesters in privatem Rahmen zu sehen sind. Mit ihren Instrumenten oder ihren Stimmen geben die Subjekte gemeinsam einen Song oder ein Stück aus ihrem Repertoire zum Besten.

Bereits vor Corona hatte ein solches Videoformat seine Daseinsberechtigung, da es Musikern die Möglichkeit bot, ihre kooperativen Tätigkeiten auf Youtube einem Publikum zu präsentieren. Ein gutes Beispiel hierfür ist das Projekt „‚Bonehemian Rhapsody‘ – 28-Trombone Collaboration! (from ITF 2018)“, hochgeladen auf den Youtube-Kanal des Posaunisten Christopher Bill. Es handelt sich entsprechend des Titels um eine Zusammenarbeit von 28 Posaunisten im Zuge des „International Trombone Festival“ im Jahr 2018. Zu hören ist ein vielstimmiges Arrangement der „Bohemian Rhapsody“ der Gruppe Queen, zu sehen sind Musiker in kleinen Kästchen, die sich an den verschiedensten Orten befinden. Wie funktioniert ihr synchrones Spiel?

Verzerrte Wahrnehmung im virtuellen Raum

Obwohl die Zug- und Lippenbewegungen perfekt auf das Hörbare abgestimmt sind, handelt es sich bei „‚Bonehemian Rhapsody‘ – 28-Trombone Collaboration!“ doch nur um eine Scheinsynchronität. Man möchte zwar meinen, dass Software-Systeme wie Zoom, Skype, Discord und Co. Synchronisierungsprozesse mittlerweile problemlos ermöglichen, sodass von unterschiedlichen Orten her reibungslos gemeinsam musiziert werden kann, doch diese Ansicht täuscht. Das Problem bei musikalischen Kooperationen im virtuellen Raum ist immer noch die Geschwindigkeit, mit der Daten von einem Ort zum anderen bewegt werden. Selbst mit der schnellsten Internetverbindung ist es unmöglich, an zwei unterschiedlichen Standorten perfekt synchron zu spielen. Wer die Aufnahme mit diesem Hintergrundwissen befragt und während der Betrachtung zudem die eigene visuelle und auditive Wahrnehmung schult, kommt zu dem Schluss, dass die einzelnen musikalischen Stimmen vermutlich nacheinander aufgenommen und die auditiven Spuren erst hernach mithilfe eines Schnittprogramms an eine Videospur angepasst wurden. Nimmt man das Video genauer unter die Lupe, so wird ersichtlich, dass die meisten Musiker vor demselben Hintergrund, vor derselben Türe postiert wurden und der Koordinator Christopher Bill manchmal auch gleichzeitig in zwei verschiedenen Vierecken des Interfaces auftaucht.

Grundlegende Synchronisierungsleistungen der Wahrnehmung bewirken im Normalfall, dass uns derlei Diskrepanzen zwischen auditiven und visuellen Spuren gar nicht auffallen. Das visuelle Dispositiv des „Interface“ begünstigt bei der Musikwahrnehmung von Anfang an eine Synchronisation zwischen Sehen und Hören. Das Interface ist das sichtbare Tor zum virtuellen Raum, in besagtem Fall zur Plattform Youtube. Es gibt uns den gleichzeitigen Blick auf die Musiker der „Bonehemian Rhapsody“ frei. Unsere Ohren nehmen dann gewissermaßen die visuelle Gleichzeitigkeit im virtuellen Raum wahr, das Gehirn passt die auditiven Informationen an einen visuellen Eindruck an.

Nicht alles freilich, was uns das digitale Interface zu sehen und zu hören gibt, zeichnet sich durch solche Scheinsynchronität aus. So wartet Youtube auch mit zahlreichen Konzertmitschnitten auf, die Aufnahmen eines durch einen Dirigenten synchronisierten Live-Spiels von Klangkörpern zeigen. Synchronität erweist sich dabei als zentrales Qualitätskriterium einer Musikkultur auch jenseits des virtuellen Raums. Vor diesem Hintergrund kamen in der Musikgeschichte des 20. Jahrhunderts Versuche auf, die Grenzen zwischen realem und virtuellem Raum der Musik entlang des Begriffes der Gleichzeitigkeit zu thematisieren. Ein Stück, das das Phänomen der Synchronität dabei auf besondere Weise abtasten sollte, stammt von Karlheinz Stockhausen. Bei seinem Helikopter-Streichquartett (1996) sitzen vier Streicher in vier verschiedenen Helikoptern. Ihr Spiel in verschiedenen Räumen ist über eine Taktspur synchronisiert. Das Abheben und Landen, die Geräusche der Rotoren der Helikopter und das Vor-Ort-Abmischen der Tonspuren durch einen Techniker gehören essentiell zum Werk dazu. Für das Publikum im Konzertsaal sind die vier Musiker in ähnlicher Manier wie im Fall der „Bonehemian Rhapsody“ gleichzeitig auf einem Bildschirm sichtbar. Allerdings zeigt das Interface beim Helikopter-Streichquartett keine von technischen Schnittprogrammen herstellte Scheinsynchronität. Die audiovisuelle Gleichzeitigkeit des musikalischen Ereignisses ist genuin gegeben.

Einen etwas anderen Blick auf das Phänomen der Synchronität liefern sogenannte Loops, welche ebenfalls ein beliebtes musikalisches Format auf Youtube darstellen. Bei einem Looper handelt es sich um ein Gerät oder ein Programm, das akustisch Eingespieltes in Wiederholungsschleifen integriert. Mittels eines Loopers in Form von Hard- oder Software werden also eingespielte Melodien und Geräusche in Dauerschleife wiedergegeben. Das Besondere an der geloopten Gleichzeitigkeit ist, dass die aufgenommenen Stimmen nicht im Nachhinein zusammengeschnitten werden, sondern in Echtzeit vom Looper festgehalten werden. Ein einzelner Musiker tritt dabei in den Dialog mit sich selbst und fügt die Folgestimmen jeweils rhythmisch synchron zu den bereits bestehenden Stimmen hinzu. Als Beispiel kann wieder Christopher Bill mit seinem Video „Pharrel Williams – Happy: Trombone Loop“ herangezogen werden, in welchem gut hörbar wird, wie Loops als imitative Verfahren der rhythmischen, melodischen und harmonischen Ausschmückung verwendet werden können. Während der Looper in besagtem Video in Softwareform genutzt wird, basiert das Video „No Diggity! feat. Marie | Ein Loop zwischendurch #39“ von Marti Fischer auf einem Hardware-Looper. Der Musiker hat dabei mehrere Tonspuren zur Verfügung, die er nach Belieben abspielen und kombinieren sowie pausieren lassen kann.

Synchronität unter der Lupe

Bei der Software „Jamulus“ aus dem Jahre 2005 handelt es sich um ein Programm, welches Musikern die Möglichkeit gibt, nahezu synchrone Jam Sessions über das Internet abzuhalten. Jeder Nutzer schickt seine Einspielungen an einen zentralen Server, der die Spuren vermischt und daraufhin wieder an die Musiker zurückschickt. Unabdingbar für die Partizipation ist dabei eine Internetverbindung mit maximal 30 Millisekunden Verzögerung beim Datentransfer zum Server und eine ebenfalls möglichst verzögerungsfreie Einspielung, da die Software allzu große Latenzen nicht mehr ausgleichen kann. Sobald diese Voraussetzungen erfüllt sind, verzögert das Programm die eingehenden Signale absichtlich um wenige Millisekunden, sodass die Schwankungen der Latenzen der einzelnen Musiker ausgeglichen und synchronisiert werden können. Eine durchgehend schwankende Verbindung würde das gemeinsame Musizieren verunmöglichen. Eine konstant eingependelte Verzögerung von beispielsweise 5 ms jedoch entspricht in der realen Welt einem Abstand von 1,5 Metern (Schallgeschwindigkeit = 300 m/s = 0,3 m/ms = 3 m/10 ms = 1,5 m/5 ms), die dem menschlichen Ohr nicht auffällt (zum Vergleich: ein Lidschlag dauert ca. 300 ms) und gerade zu Corona-Zeiten ein angebrachter Abstand zum Musikmachen ist. Nach eigenen Tests mit dem Programm kann ich bestätigen, dass es die eingehenden Signale in der Tat perfekt synchronisiert und höchstens eine mangelhafte Aufnahmetechnik der Teilnehmer die akustische Qualität des gemeinsamen Musizieren eintrüben könnte. Bei der Installation liefert das Programm auch noch eine Serversoftware, mit der jeder Nutzer seinen eigenen Server erstellen kann, um sich mit Freunden zum gemeinsamen Spiel zusammenzufinden. Etwas komplizierter gestaltet sich jedoch die Einstellung der Ein- und Ausgabegeräte: Für die künstliche Verzögerung ist der Download des Programms „Asio4All“ erforderlich, mit dem eingestellt werden kann, welches Gerät jeweils für die anderen Musiker hörbar sein soll. Sollte ein Bedarf an mehreren Ein- oder Ausgabegeräten bestehen, so gibt es die Möglichkeit, das Programm einfach mehrmals hintereinander zu öffnen und mit den jeweiligen Instanzen jeweils separat dem Server beizutreten.

Schallgeschwindigkeit, die beim gemeinsamen Musizieren stets eine große Rolle spielt, thematisierte der Komponist R. Murray Schafer in seinem Stück Music for a Wilderness Lake (1979). Die Idee des Stückes ist es, mithilfe von 12 Posaunenstimmen Naturgeräusche zu imitieren, die sich an einem See ereignen. Die räumlich zerdehnte Aufstellung der Musikanten rund um den See sowie auf einem Floß oder Boot auf dem See hat zur Folge, dass je nach Zuhörposition ein anderes Stück wahrnehmbar wird. Abhängig vom Standort des Zuhörers müssen die Klänge unterschiedliche Distanzen über den See zurücklegen. Bei einer Aufführung im Rahmen von Kalvfestivalen 2014 durch ein Posaunenensemble der Hochschule für Musik, Theater und Medien Hannover wurde das Stück von einem Boot aus sowie mithilfe von roten und grünen Flaggen dirigiert, die den räumlich weit entfernten Musikern signalisierten, welcher Abschnitt des Stücks gerade zu spielen war. Von Schafers Konzept aus kann eine Parallele zum gemeinsamen Musizieren im virtuellen Raum gezogen werden: Bei Schafer ist die akustische Asynchronität, die sich durch die Umgebung des Bergsees ergibt, ein bewusst gewähltes Stilmittel, während diese in zeitgenössischen kooperativen Musikformen für virtuelle Räume mithilfe digitaler Technik konsequent ausgeschaltet wird.

Komposition durch Kooperation

Ein weiteres, sehr außergewöhnliches Verfahren musikalischer Kollaboration in virtuellen Räumen erprobte der britische Komponist David Bruce im Rahmen einer Projektarbeit, die in Kooperation mit über 80 Komponisten durchgeführt wurde. Bruce legte eine Folge an Akkorden fest, über die jede und jeder der teilnehmenden Künstlerinnen und Künstler eine Komposition mit einer Dauer von 5 Sekunden verfertigen sollte. Die eingereichten Kurzkompositionen wurden von Bruce zu einem harmonischen Ganzen zusammengefügt und vom Pianisten Sequoia interpretiert. Das Resultat war das Video „Around The World in 80 COMPOSERS“, einsehbar auf David Bruces Youtube-Kanal. Gemäß dem der Komposition vorgeschalteten erklärenden Vorwort von Bruce stand hinter der Komposition die Idee, die unterschiedlichsten Stile und kompositorischen Techniken zu einem künstlerischen Ganzen zu verschmelzen. Der vielleicht interessanteste Aspekt dieser Kollektivkomposition zeigt sich jedoch in der Zeitwahrnehmung der Rezipientinnen und Rezipienten: 5 Sekunden Musik können, je nachdem, wie die Zeitspanne musikalisch gestaltet wurde, unterschiedlich lange dauern.

Innovation auf der Basis historischer Kontinuität

Das menschliche Bedürfnis nach gemeinsamem Musizieren durchzieht wie ein roter Faden nahezu sämtliche Kulturen und Zivilisationen und so ist es nicht verwunderlich, dass Praktiken musikalischer Kooperation auch in der Ausnahmesituation der Corona-Pandemie nicht aus der Mode kommen. Durch die aktuelle Krise, in der das Bedürfnis nach gemeinschaftlichem Musizieren ungebrochen ist, wurden allerdings nunmehr innovative technische Tools für musikalische Kooperationen in virtuellen Räumen aus ihrer Nischenposition geholt und ins Rampenlicht gerückt, was zu sehr besonderen Entwicklungen im kulturellen Leben geführt hat. Die spannende Frage lautet, ob diese neu und wieder entdeckten Musikpraktiken nach der Zeit des kollektiven Rückzugs aus dem öffentlichen Raum ins Private weiterhin erhalten bleiben, weiterentwickelt werden und nachhaltig Inspirationsquellen für Künstler bieten. Der vergleichende Blick auf die Musikgeschichte des 20. Jahrhunderts spricht jedenfalls für eine gewisse historische Kontinuität von kollaborativen Musikformen, die auf der Verschränkung von musikalischen Räumen und Wahrnehmungsdimensionen beruhen. Wieso sollten die gegenwärtig stark in Mode gekommenen Praktiken des gemeinsamen Musizierens im virtuellen Raum nicht auch in Zukunft für weitere Innovationsschübe sorgen? Vieles ist im Moment noch undenkbar, was später vielleicht zum Repertoire musikalischer Selbstverständlichkeiten gehören wird. Hätte R. Murray Schafer, der Schöpfer von Music for a Wilderness Lake, es sich etwa erträumt, dass sein Stück zum historischen Vorbild einer digitalen musikalischen Kultur werden würde, die die weit voneinander entfernten Räume von künstlerischen Individuen verschränkt?


Schreib einen Kommentar

Deine E-Mail-Adresse wird nicht veröffentlicht. Erforderliche Felder sind mit * markiert.

Diese Website verwendet Akismet, um Spam zu reduzieren. Erfahre mehr darüber, wie deine Kommentardaten verarbeitet werden.